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„Ein Traum, so oft geträumt: eine Gemeinschaft von gleichzeitig

tanzenden und singenden Menschen zu ermöglichen und die tradierten

Grenzen zwischen den beiden schwesterlich rivalisierenden Disziplinen zu

überschreiten.“ Schon lange beschäftigt sich der Choreograf François Chaignaud

mit dem utopischen Potenzial polyphoner Melodien, um einen fluiden,

kollektiven Körper entstehen zu lassen. Für die neue, großformatige

Produktion, eine Zusammenarbeit mit dem Musiker und Chorleiter Geoffroy Jourdain,

begeben sich insgesamt 13 tanzende Sänger:innen, also singende

Tänzer:innen, in einen Dialog mit dem die Bühne dominierenden Hügelgrab.

Kollektiv, harmonisch und in Gleichwertigkeit der unterschiedlichen

Stimmen kommt das Spannungsverhältnis zwischen Lebendigkeit und

Vergänglichkeit zu Gehör. Vom Kontrapunkt-Meister der Frührenaissance

Josquin Desprez bis hin zu Claude Vivier und seiner 1971 komponierten,

bisher selten aufgeführten Musik für das Ende wird t u m u l u s zum sinnlichen Ereignis, das die den Menschen gemeine Verletzlichkeit als Voraussetzung für Spiritualität begreift.

Tickets: https://www.oeticket.com/eventseries/3061711/?affiliate=WFW

www.festwochen.at
Telefon +43 1 589 22 11
kartenbuero@festwochen.at

„Ein Traum, so oft geträumt: eine Gemeinschaft von gleichzeitig

tanzenden und singenden Menschen zu ermöglichen und die tradierten

Grenzen zwischen den beiden schwesterlich rivalisierenden Disziplinen zu

überschreiten.“ Schon lange beschäftigt sich der Choreograf François Chaignaud

mit dem utopischen Potenzial polyphoner Melodien, um einen fluiden,

kollektiven Körper entstehen zu lassen. Für die neue, großformatige

Produktion, eine Zusammenarbeit mit dem Musiker und Chorleiter Geoffroy Jourdain,

begeben sich insgesamt 13 tanzende Sänger:innen, also singende

Tänzer:innen, in einen Dialog mit dem die Bühne dominierenden Hügelgrab.

Kollektiv, harmonisch und in Gleichwertigkeit der unterschiedlichen

Stimmen kommt das Spannungsverhältnis zwischen Lebendigkeit und

Vergänglichkeit zu Gehör. Vom Kontrapunkt-Meister der Frührenaissance

Josquin Desprez bis hin zu Claude Vivier und seiner 1971 komponierten,

bisher selten aufgeführten Musik für das Ende wird t u m u l u s zum sinnlichen Ereignis, das die den Menschen gemeine Verletzlichkeit als Voraussetzung für Spiritualität begreift.

Tickets: https://www.oeticket.com/eventseries/3061711/?affiliate=WFW

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„Ein Traum, so oft geträumt: eine Gemeinschaft von gleichzeitig

tanzenden und singenden Menschen zu ermöglichen und die tradierten

Grenzen zwischen den beiden schwesterlich rivalisierenden Disziplinen zu

überschreiten.“ Schon lange beschäftigt sich der Choreograf François Chaignaud

mit dem utopischen Potenzial polyphoner Melodien, um einen fluiden,

kollektiven Körper entstehen zu lassen. Für die neue, großformatige

Produktion, eine Zusammenarbeit mit dem Musiker und Chorleiter Geoffroy Jourdain,

begeben sich insgesamt 13 tanzende Sänger:innen, also singende

Tänzer:innen, in einen Dialog mit dem die Bühne dominierenden Hügelgrab.

Kollektiv, harmonisch und in Gleichwertigkeit der unterschiedlichen

Stimmen kommt das Spannungsverhältnis zwischen Lebendigkeit und

Vergänglichkeit zu Gehör. Vom Kontrapunkt-Meister der Frührenaissance

Josquin Desprez bis hin zu Claude Vivier und seiner 1971 komponierten,

bisher selten aufgeführten Musik für das Ende wird t u m u l u s zum sinnlichen Ereignis, das die den Menschen gemeine Verletzlichkeit als Voraussetzung für Spiritualität begreift.

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Wenn die Realität nur eine Summe subjektiver Fakten und individueller

Fiktionen ist, was dann? Tanya Beyeler und Pablo Gisbert, die seit 2010

erfolgreich als El Conde de Torrefiel zusammenarbeiten und 2018 mit La Plaza

bei den Wiener Festwochen für Furore sorgten, sehen die Idee einer

gemeinsamen Wirklichkeit als überholt an. Ausgehend von einer nicht mehr

greifbaren Welt dokumentieren sie in Una imagen interior (Ein

Bild aus dem Inneren) die kulturellen und politischen Mechanismen, aus

denen die aktuellen Realitäten entstehen – und übersteigern sie ins

irritierend Überdeutliche. Das Theater ist zwar längst nicht mehr der

einzige Ort für Spektakel und Inszenierung, aber ist die Bühne der

vielleicht realste Tatort unserer Imagination? Das Wagnis, Natürlichkeit

und Künstlichkeit, Spontaneität und Simulation gegeneinander

auszuspielen, unternehmen El Conde de Torrefiel in einer

unkonventionellen Komposition von minimalistischer Choreografie,

bestechenden Bildern und extrem pointierter Erzählung. Gnadenloser Zoom

auf eine Gegenwart, die in Fragmente zerbricht. Zukunftsprophezeiung

inklusive.

Tickets: https://www.oeticket.com/eventseries/3061090/?affiliate=WFW

www.festwochen.at
Telefon +43 1 589 22 11
kartenbuero@festwochen.at

Wenn die Realität nur eine Summe subjektiver Fakten und individueller

Fiktionen ist, was dann? Tanya Beyeler und Pablo Gisbert, die seit 2010

erfolgreich als El Conde de Torrefiel zusammenarbeiten und 2018 mit La Plaza

bei den Wiener Festwochen für Furore sorgten, sehen die Idee einer

gemeinsamen Wirklichkeit als überholt an. Ausgehend von einer nicht mehr

greifbaren Welt dokumentieren sie in Una imagen interior (Ein

Bild aus dem Inneren) die kulturellen und politischen Mechanismen, aus

denen die aktuellen Realitäten entstehen – und übersteigern sie ins

irritierend Überdeutliche. Das Theater ist zwar längst nicht mehr der

einzige Ort für Spektakel und Inszenierung, aber ist die Bühne der

vielleicht realste Tatort unserer Imagination? Das Wagnis, Natürlichkeit

und Künstlichkeit, Spontaneität und Simulation gegeneinander

auszuspielen, unternehmen El Conde de Torrefiel in einer

unkonventionellen Komposition von minimalistischer Choreografie,

bestechenden Bildern und extrem pointierter Erzählung. Gnadenloser Zoom

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inklusive.

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Wenn die Realität nur eine Summe subjektiver Fakten und individueller

Fiktionen ist, was dann? Tanya Beyeler und Pablo Gisbert, die seit 2010

erfolgreich als El Conde de Torrefiel zusammenarbeiten und 2018 mit La Plaza

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gemeinsamen Wirklichkeit als überholt an. Ausgehend von einer nicht mehr

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denen die aktuellen Realitäten entstehen – und übersteigern sie ins

irritierend Überdeutliche. Das Theater ist zwar längst nicht mehr der

einzige Ort für Spektakel und Inszenierung, aber ist die Bühne der

vielleicht realste Tatort unserer Imagination? Das Wagnis, Natürlichkeit

und Künstlichkeit, Spontaneität und Simulation gegeneinander

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Wenn die Realität nur eine Summe subjektiver Fakten und individueller

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erfolgreich als El Conde de Torrefiel zusammenarbeiten und 2018 mit La Plaza

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gemeinsamen Wirklichkeit als überholt an. Ausgehend von einer nicht mehr

greifbaren Welt dokumentieren sie in Una imagen interior (Ein

Bild aus dem Inneren) die kulturellen und politischen Mechanismen, aus

denen die aktuellen Realitäten entstehen – und übersteigern sie ins

irritierend Überdeutliche. Das Theater ist zwar längst nicht mehr der

einzige Ort für Spektakel und Inszenierung, aber ist die Bühne der

vielleicht realste Tatort unserer Imagination? Das Wagnis, Natürlichkeit

und Künstlichkeit, Spontaneität und Simulation gegeneinander

auszuspielen, unternehmen El Conde de Torrefiel in einer

unkonventionellen Komposition von minimalistischer Choreografie,

bestechenden Bildern und extrem pointierter Erzählung. Gnadenloser Zoom

auf eine Gegenwart, die in Fragmente zerbricht. Zukunftsprophezeiung

inklusive.

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Das heiß ersehnte neue Stück des Choreografen Bruno Beltrão

und seiner Grupo de Rua ist da! Schon seit 2005 begeistern die Arbeiten

der Company das Festwochen Publikum, zuletzt 2017 die spannungsgeladene

Arbeit Inoah. Beltrãos Tanz umkreist stets unauflösbare

Konflikte und gegensätzliche Entwicklungen. Zwischen Begegnung und

Konfrontation, Aggression und Exzess fasziniert ihn die Suche nach

Solidarität und Gegenseitigkeit. 2022 ist die gesellschaftliche Spaltung

in Brasilien längst verschärft. Hetze und Hass dominieren. Und so fragt

Beltrão gemeinsam mit zwölf außergewöhnlichen Tänzer:innen: Wie in

Bewegung bleiben, wenn eine menschenfeindliche Politik jeden Widerstand

lähmt und ein giftiger Nebel alle positiven Visionen erstickt? Was

William Forsythe für das Ballett ist, ist Bruno Beltrão für den Hip-Hop:

ein Revolutionär. Er verbindet urbanen Tanz mit zeitgenössischem,

sprich die Virtuosität der Straße mit der Abstraktion der Bühne, zu

einem brückenschlagenden Erlebnis. Körper verselbstständigen sich in

dynamischen Brüchen und mit beeindruckender Energie. Der ganze Raum

beginnt zu pulsieren.

Tickets: https://www.oeticket.com/eventseries/3061110/?affiliate=WFW

www.festwochen.at
Telefon +43 1 589 22 11
kartenbuero@festwochen.at

Das heiß ersehnte neue Stück des Choreografen Bruno Beltrão

und seiner Grupo de Rua ist da! Schon seit 2005 begeistern die Arbeiten

der Company das Festwochen Publikum, zuletzt 2017 die spannungsgeladene

Arbeit Inoah. Beltrãos Tanz umkreist stets unauflösbare

Konflikte und gegensätzliche Entwicklungen. Zwischen Begegnung und

Konfrontation, Aggression und Exzess fasziniert ihn die Suche nach

Solidarität und Gegenseitigkeit. 2022 ist die gesellschaftliche Spaltung

in Brasilien längst verschärft. Hetze und Hass dominieren. Und so fragt

Beltrão gemeinsam mit zwölf außergewöhnlichen Tänzer:innen: Wie in

Bewegung bleiben, wenn eine menschenfeindliche Politik jeden Widerstand

lähmt und ein giftiger Nebel alle positiven Visionen erstickt? Was

William Forsythe für das Ballett ist, ist Bruno Beltrão für den Hip-Hop:

ein Revolutionär. Er verbindet urbanen Tanz mit zeitgenössischem,

sprich die Virtuosität der Straße mit der Abstraktion der Bühne, zu

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dynamischen Brüchen und mit beeindruckender Energie. Der ganze Raum

beginnt zu pulsieren.

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Tiago Rodrigues, Anton Tschechow

Nach den umjubelten Produktionen By heart (2016), Sopro (2019) und Catarina e a beleza de matar fascistas (2021) gastiert der Regisseur und frisch gekürte Leiter des angesehenen Festival d’Avignon Tiago Rodrigues heuer mit einem Theaterklassiker bei den Wiener Festwochen. Anton Tschechows Der Kirschgarten
erzählt in zeitloser Eleganz vom Vergehen der Zeit, vom Untergang einst
üppiger Welten. In der exquisiten Inszenierung ist es die einzigartige
Isabelle Huppert, die in der Rolle der Gutsbesitzerin Ljubow erleben
muss, wie das Familienanwesen verloren geht. Rodrigues wendet diesen
Verlust von Privatbesitz ins Grundsätzliche und zeichnet eine endliche,
endgültig dem Untergang geweihte Welt der Ausbeutung. Die bevorstehende
Veränderung der Verhältnisse ist unausweichlich. Eine große Tragödie und
auch eine große Komödie. Beeindruckend dargeboten von einem diversen
Schauspielensemble, dessen kompromissloses Zusammenspiel den Klassiker
zu einem gegenwärtigen Erlebnis macht.

Tickets: https://www.oeticket.com/eventseries/3061724/?affiliate=WFW

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Das heiß ersehnte neue Stück des Choreografen Bruno Beltrão

und seiner Grupo de Rua ist da! Schon seit 2005 begeistern die Arbeiten

der Company das Festwochen Publikum, zuletzt 2017 die spannungsgeladene

Arbeit Inoah. Beltrãos Tanz umkreist stets unauflösbare

Konflikte und gegensätzliche Entwicklungen. Zwischen Begegnung und

Konfrontation, Aggression und Exzess fasziniert ihn die Suche nach

Solidarität und Gegenseitigkeit. 2022 ist die gesellschaftliche Spaltung

in Brasilien längst verschärft. Hetze und Hass dominieren. Und so fragt

Beltrão gemeinsam mit zwölf außergewöhnlichen Tänzer:innen: Wie in

Bewegung bleiben, wenn eine menschenfeindliche Politik jeden Widerstand

lähmt und ein giftiger Nebel alle positiven Visionen erstickt? Was

William Forsythe für das Ballett ist, ist Bruno Beltrão für den Hip-Hop:

ein Revolutionär. Er verbindet urbanen Tanz mit zeitgenössischem,

sprich die Virtuosität der Straße mit der Abstraktion der Bühne, zu

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Tiago Rodrigues, Anton Tschechow

Nach den umjubelten Produktionen By heart (2016), Sopro (2019) und Catarina e a beleza de matar fascistas (2021) gastiert der Regisseur und frisch gekürte Leiter des angesehenen Festival d’Avignon Tiago Rodrigues heuer mit einem Theaterklassiker bei den Wiener Festwochen. Anton Tschechows Der Kirschgarten
erzählt in zeitloser Eleganz vom Vergehen der Zeit, vom Untergang einst
üppiger Welten. In der exquisiten Inszenierung ist es die einzigartige
Isabelle Huppert, die in der Rolle der Gutsbesitzerin Ljubow erleben
muss, wie das Familienanwesen verloren geht. Rodrigues wendet diesen
Verlust von Privatbesitz ins Grundsätzliche und zeichnet eine endliche,
endgültig dem Untergang geweihte Welt der Ausbeutung. Die bevorstehende
Veränderung der Verhältnisse ist unausweichlich. Eine große Tragödie und
auch eine große Komödie. Beeindruckend dargeboten von einem diversen
Schauspielensemble, dessen kompromissloses Zusammenspiel den Klassiker
zu einem gegenwärtigen Erlebnis macht.

Tickets: https://www.oeticket.com/eventseries/3061724/?affiliate=WFW

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Tiago Rodrigues, Anton Tschechow

Nach den umjubelten Produktionen By heart (2016), Sopro (2019) und Catarina e a beleza de matar fascistas (2021) gastiert der Regisseur und frisch gekürte Leiter des angesehenen Festival d’Avignon Tiago Rodrigues heuer mit einem Theaterklassiker bei den Wiener Festwochen. Anton Tschechows Der Kirschgarten
erzählt in zeitloser Eleganz vom Vergehen der Zeit, vom Untergang einst
üppiger Welten. In der exquisiten Inszenierung ist es die einzigartige
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muss, wie das Familienanwesen verloren geht. Rodrigues wendet diesen
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endgültig dem Untergang geweihte Welt der Ausbeutung. Die bevorstehende
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auch eine große Komödie. Beeindruckend dargeboten von einem diversen
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Nach den umjubelten Produktionen By heart (2016), Sopro (2019) und Catarina e a beleza de matar fascistas (2021) gastiert der Regisseur und frisch gekürte Leiter des angesehenen Festival d’Avignon Tiago Rodrigues heuer mit einem Theaterklassiker bei den Wiener Festwochen. Anton Tschechows Der Kirschgarten
erzählt in zeitloser Eleganz vom Vergehen der Zeit, vom Untergang einst
üppiger Welten. In der exquisiten Inszenierung ist es die einzigartige
Isabelle Huppert, die in der Rolle der Gutsbesitzerin Ljubow erleben
muss, wie das Familienanwesen verloren geht. Rodrigues wendet diesen
Verlust von Privatbesitz ins Grundsätzliche und zeichnet eine endliche,
endgültig dem Untergang geweihte Welt der Ausbeutung. Die bevorstehende
Veränderung der Verhältnisse ist unausweichlich. Eine große Tragödie und
auch eine große Komödie. Beeindruckend dargeboten von einem diversen
Schauspielensemble, dessen kompromissloses Zusammenspiel den Klassiker
zu einem gegenwärtigen Erlebnis macht.

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Christopher Rüping, Necati Öziri

Richard Wagners Der Ring des Nibelungen ist ein Opernmonster. Was tun mit dieser gigantomanischen Komposition und ihren ideologischen Implikationen? Autor Necati Öziri,
der mit seinen Stücken den westlichen Theaterkanon korrigieren will,
arbeitet für seinen Wagner-Widerspruch die werkimmanenten
Unterdrückungsverhältnisse heraus und kontrastiert den Heroismus mit
intimen, aber kraftvollen Gegenerzählungen von sich verletzbar machenden
Menschen. So finden diejenigen, die bei Wagner keine Stimme haben, eine
eigene Sprache und begeben sich auf die Suche nach einem „Wir“, das
nicht den kleinsten gemeinsamen Nenner meint. Als Musikdirektoren
besetzen Black Cracker und Jonas Holle ihr Ring-Orchester mit
acht zeitgenössischen Popmusiker:innen und arrangieren deren
Gegenkompositionen zum außergewöhnlichen Soundtrack einer vielstimmigen
Inszenierung. Für den schon zwei Mal mit dem Nestroy-Preis
ausgezeichneten Regisseur Christopher Rüping
ist seine erste Auseinandersetzung mit dem Opernrepertoire auch die
erste Arbeit, die er vor Wiener Publikum zeigt. Dieser neue Ring atomisiert das Gesamtkunstwerk und lässt eine Diversität von Perspektiven miteinander in Verbindung treten.

Tickets: https://www.oeticket.com/eventseries/2520836/?affiliate=WFW

www.festwochen.at
Telefon +43 1 589 22 11
kartenbuero@festwochen.at

Christopher Rüping, Necati Öziri

Richard Wagners Der Ring des Nibelungen ist ein Opernmonster. Was tun mit dieser gigantomanischen Komposition und ihren ideologischen Implikationen? Autor Necati Öziri,
der mit seinen Stücken den westlichen Theaterkanon korrigieren will,
arbeitet für seinen Wagner-Widerspruch die werkimmanenten
Unterdrückungsverhältnisse heraus und kontrastiert den Heroismus mit
intimen, aber kraftvollen Gegenerzählungen von sich verletzbar machenden
Menschen. So finden diejenigen, die bei Wagner keine Stimme haben, eine
eigene Sprache und begeben sich auf die Suche nach einem „Wir“, das
nicht den kleinsten gemeinsamen Nenner meint. Als Musikdirektoren
besetzen Black Cracker und Jonas Holle ihr Ring-Orchester mit
acht zeitgenössischen Popmusiker:innen und arrangieren deren
Gegenkompositionen zum außergewöhnlichen Soundtrack einer vielstimmigen
Inszenierung. Für den schon zwei Mal mit dem Nestroy-Preis
ausgezeichneten Regisseur Christopher Rüping
ist seine erste Auseinandersetzung mit dem Opernrepertoire auch die
erste Arbeit, die er vor Wiener Publikum zeigt. Dieser neue Ring atomisiert das Gesamtkunstwerk und lässt eine Diversität von Perspektiven miteinander in Verbindung treten.

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Richard Wagners Der Ring des Nibelungen ist ein Opernmonster. Was tun mit dieser gigantomanischen Komposition und ihren ideologischen Implikationen? Autor Necati Öziri,
der mit seinen Stücken den westlichen Theaterkanon korrigieren will,
arbeitet für seinen Wagner-Widerspruch die werkimmanenten
Unterdrückungsverhältnisse heraus und kontrastiert den Heroismus mit
intimen, aber kraftvollen Gegenerzählungen von sich verletzbar machenden
Menschen. So finden diejenigen, die bei Wagner keine Stimme haben, eine
eigene Sprache und begeben sich auf die Suche nach einem „Wir“, das
nicht den kleinsten gemeinsamen Nenner meint. Als Musikdirektoren
besetzen Black Cracker und Jonas Holle ihr Ring-Orchester mit
acht zeitgenössischen Popmusiker:innen und arrangieren deren
Gegenkompositionen zum außergewöhnlichen Soundtrack einer vielstimmigen
Inszenierung. Für den schon zwei Mal mit dem Nestroy-Preis
ausgezeichneten Regisseur Christopher Rüping
ist seine erste Auseinandersetzung mit dem Opernrepertoire auch die
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Emmanuelle Huynh, Caty Olive, Iannis Xenakis, Sylvain Cambreling, Klangforum Wien

Anlässlich des 100. Geburtstags von Iannis Xenakis
– der griechische Komponist gehört zu den bedeutendsten und
originellsten Erneuerern der Musik in der zweiten Hälfte des 20.
Jahrhunderts – haben die Wiener Festwochen die französische Choreografin
Emmanuelle Huynh eingeladen, dem ikonischen Werk Kraanerg mit
ihrer eigenen künstlerischen Vision zu begegnen. Ursprünglich 1968 als
Ballettmusik für 23 Instrumente und ein Tonband geschrieben, steht der
aus zwei griechischen Worten zusammengesetzte Titel für die Hoffnungen
einer revoltierenden Jugend auf eine Änderung politischer, sozialer und
ideologischer Systeme. Unter der Leitung von Sylvain Cambreling
setzt das Klangforum Wien die verdichteten Klangmassen in Bewegung,
laut und wütend. Für ihre szenische Fassung arbeitet Huynh eng mit der
Lichtdesignerin Caty Olive
zusammen. Gemeinsam geben sie der außergewöhnlichen Komposition einen
multidisziplinären Rahmen, ganz nach den Visionen von Xenakis. Ein
Konzert voller Energie und Widerstand. Und zahlreicher Utopien.

Tickets: https://www.oeticket.com/eventseries/3061111/?affiliate=WFW

www.festwochen.at
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Emmanuelle Huynh, Caty Olive, Iannis Xenakis, Sylvain Cambreling, Klangforum Wien

Anlässlich des 100. Geburtstags von Iannis Xenakis
– der griechische Komponist gehört zu den bedeutendsten und
originellsten Erneuerern der Musik in der zweiten Hälfte des 20.
Jahrhunderts – haben die Wiener Festwochen die französische Choreografin
Emmanuelle Huynh eingeladen, dem ikonischen Werk Kraanerg mit
ihrer eigenen künstlerischen Vision zu begegnen. Ursprünglich 1968 als
Ballettmusik für 23 Instrumente und ein Tonband geschrieben, steht der
aus zwei griechischen Worten zusammengesetzte Titel für die Hoffnungen
einer revoltierenden Jugend auf eine Änderung politischer, sozialer und
ideologischer Systeme. Unter der Leitung von Sylvain Cambreling
setzt das Klangforum Wien die verdichteten Klangmassen in Bewegung,
laut und wütend. Für ihre szenische Fassung arbeitet Huynh eng mit der
Lichtdesignerin Caty Olive
zusammen. Gemeinsam geben sie der außergewöhnlichen Komposition einen
multidisziplinären Rahmen, ganz nach den Visionen von Xenakis. Ein
Konzert voller Energie und Widerstand. Und zahlreicher Utopien.

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Emmanuelle Huynh, Caty Olive, Iannis Xenakis, Sylvain Cambreling, Klangforum Wien

Anlässlich des 100. Geburtstags von Iannis Xenakis
– der griechische Komponist gehört zu den bedeutendsten und
originellsten Erneuerern der Musik in der zweiten Hälfte des 20.
Jahrhunderts – haben die Wiener Festwochen die französische Choreografin
Emmanuelle Huynh eingeladen, dem ikonischen Werk Kraanerg mit
ihrer eigenen künstlerischen Vision zu begegnen. Ursprünglich 1968 als
Ballettmusik für 23 Instrumente und ein Tonband geschrieben, steht der
aus zwei griechischen Worten zusammengesetzte Titel für die Hoffnungen
einer revoltierenden Jugend auf eine Änderung politischer, sozialer und
ideologischer Systeme. Unter der Leitung von Sylvain Cambreling
setzt das Klangforum Wien die verdichteten Klangmassen in Bewegung,
laut und wütend. Für ihre szenische Fassung arbeitet Huynh eng mit der
Lichtdesignerin Caty Olive
zusammen. Gemeinsam geben sie der außergewöhnlichen Komposition einen
multidisziplinären Rahmen, ganz nach den Visionen von Xenakis. Ein
Konzert voller Energie und Widerstand. Und zahlreicher Utopien.

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Susanne Kennedy, Markus Selg, Philip Glass, André de Ridder

Die Theatererneuerin Susanne Kennedy und der bildende Künstler Markus Selg
inszenieren zum ersten Mal eine Oper. Gemeinsam lassen sie ein
futuristisches Werk zwischen Installation, Ritual und Theater entstehen.
Mit ihrer unverkennbaren Theatersprache sprengen sie dabei Grenzen
zwischen Mensch und Maschine, Realität und Simulation, zwischen Theater,
bildender Kunst und virtuellen Welten. Auf der sich beständig drehenden
Bühne pflegt eine neuartige Gemeinschaft eine außergewöhnliche
Bewegungssprache. Sie scheint nach eigenen, rätselhaften Regeln zu
leben. Inspiriert vom unkonventionellen Genie Albert Einstein, schufen
Philip Glass und Robert Wilson mit Einstein on the Beach ein
Meisterwerk des 20. Jahrhunderts, das mit allen Regeln der Oper bricht
und keiner linearen Erzählstruktur folgt. Repetitive Patterns machen die
Zeit als sinnliches Phänomen erlebbar. In der neu konzipierten Version
entsteht eine immersive Gegenwärtigkeit, in der Zukunft und
Vergangenheit ineinanderlaufen. Aus der Trance in die Utopie:
Rauschhaftes Musiktheater als Grenzerfahrung.

Tickets: https://www.oeticket.com/eventseries/3061701/?affiliate=WFW

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Susanne Kennedy, Markus Selg, Philip Glass, André de Ridder

Die Theatererneuerin Susanne Kennedy und der bildende Künstler Markus Selg
inszenieren zum ersten Mal eine Oper. Gemeinsam lassen sie ein
futuristisches Werk zwischen Installation, Ritual und Theater entstehen.
Mit ihrer unverkennbaren Theatersprache sprengen sie dabei Grenzen
zwischen Mensch und Maschine, Realität und Simulation, zwischen Theater,
bildender Kunst und virtuellen Welten. Auf der sich beständig drehenden
Bühne pflegt eine neuartige Gemeinschaft eine außergewöhnliche
Bewegungssprache. Sie scheint nach eigenen, rätselhaften Regeln zu
leben. Inspiriert vom unkonventionellen Genie Albert Einstein, schufen
Philip Glass und Robert Wilson mit Einstein on the Beach ein
Meisterwerk des 20. Jahrhunderts, das mit allen Regeln der Oper bricht
und keiner linearen Erzählstruktur folgt. Repetitive Patterns machen die
Zeit als sinnliches Phänomen erlebbar. In der neu konzipierten Version
entsteht eine immersive Gegenwärtigkeit, in der Zukunft und
Vergangenheit ineinanderlaufen. Aus der Trance in die Utopie:
Rauschhaftes Musiktheater als Grenzerfahrung.

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Tina Satter / Half Straddle

2017 wurde die Sprachanalystin Reality Winner für die Weitergabe von
geheimdienstlichen Informationen über russische Eingriffe in die
US-Präsidentschaftswahl zu einer unverhältnismäßig langen
Gefängnisstrafe verurteilt. Die ursprüngliche Einvernahme durch das FBI
fand in ihrem Haus statt und wird im gefeierten Doku-Drama Is This A Room auf der Bühne Wort für Wort wiederholt. Der Regisseurin Tina Satter
und ihrer New Yorker Company Half Straddle gelingt damit ein Thriller.
Pur und konzentriert umgesetzt, tritt in dieser Gesprächssituation das
komplexe Powerplay exemplarisch hervor. Institution, Ehre, Patriotismus,
Gender – alles wird zu einer Frage von Macht, und das in dem Moment, in
dem das Leben der jungen Frau nach und nach zusammenbricht. Brillantes
psychologisches Schauspiel bis in die Fingerspitzen macht klar: Fiktion
ist krass, Realität krasser.

Tickets: https://www.oeticket.com/eventseries/3064159/?affiliate=WFW

www.festwochen.at
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Tina Satter / Half Straddle

2017 wurde die Sprachanalystin Reality Winner für die Weitergabe von
geheimdienstlichen Informationen über russische Eingriffe in die
US-Präsidentschaftswahl zu einer unverhältnismäßig langen
Gefängnisstrafe verurteilt. Die ursprüngliche Einvernahme durch das FBI
fand in ihrem Haus statt und wird im gefeierten Doku-Drama Is This A Room auf der Bühne Wort für Wort wiederholt. Der Regisseurin Tina Satter
und ihrer New Yorker Company Half Straddle gelingt damit ein Thriller.
Pur und konzentriert umgesetzt, tritt in dieser Gesprächssituation das
komplexe Powerplay exemplarisch hervor. Institution, Ehre, Patriotismus,
Gender – alles wird zu einer Frage von Macht, und das in dem Moment, in
dem das Leben der jungen Frau nach und nach zusammenbricht. Brillantes
psychologisches Schauspiel bis in die Fingerspitzen macht klar: Fiktion
ist krass, Realität krasser.

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2017 wurde die Sprachanalystin Reality Winner für die Weitergabe von
geheimdienstlichen Informationen über russische Eingriffe in die
US-Präsidentschaftswahl zu einer unverhältnismäßig langen
Gefängnisstrafe verurteilt. Die ursprüngliche Einvernahme durch das FBI
fand in ihrem Haus statt und wird im gefeierten Doku-Drama Is This A Room auf der Bühne Wort für Wort wiederholt. Der Regisseurin Tina Satter
und ihrer New Yorker Company Half Straddle gelingt damit ein Thriller.
Pur und konzentriert umgesetzt, tritt in dieser Gesprächssituation das
komplexe Powerplay exemplarisch hervor. Institution, Ehre, Patriotismus,
Gender – alles wird zu einer Frage von Macht, und das in dem Moment, in
dem das Leben der jungen Frau nach und nach zusammenbricht. Brillantes
psychologisches Schauspiel bis in die Fingerspitzen macht klar: Fiktion
ist krass, Realität krasser.

Tickets: https://www.oeticket.com/eventseries/3064159/?affiliate=WFW

www.festwochen.at
Telefon +43 1 589 22 11
kartenbuero@festwochen.at

Tina Satter / Half Straddle

2017 wurde die Sprachanalystin Reality Winner für die Weitergabe von
geheimdienstlichen Informationen über russische Eingriffe in die
US-Präsidentschaftswahl zu einer unverhältnismäßig langen
Gefängnisstrafe verurteilt. Die ursprüngliche Einvernahme durch das FBI
fand in ihrem Haus statt und wird im gefeierten Doku-Drama Is This A Room auf der Bühne Wort für Wort wiederholt. Der Regisseurin Tina Satter
und ihrer New Yorker Company Half Straddle gelingt damit ein Thriller.
Pur und konzentriert umgesetzt, tritt in dieser Gesprächssituation das
komplexe Powerplay exemplarisch hervor. Institution, Ehre, Patriotismus,
Gender – alles wird zu einer Frage von Macht, und das in dem Moment, in
dem das Leben der jungen Frau nach und nach zusammenbricht. Brillantes
psychologisches Schauspiel bis in die Fingerspitzen macht klar: Fiktion
ist krass, Realität krasser.

Tickets: https://www.oeticket.com/eventseries/3064159/?affiliate=WFW

www.festwochen.at
Telefon +43 1 589 22 11
kartenbuero@festwochen.at

Tina Satter / Half Straddle

2017 wurde die Sprachanalystin Reality Winner für die Weitergabe von
geheimdienstlichen Informationen über russische Eingriffe in die
US-Präsidentschaftswahl zu einer unverhältnismäßig langen
Gefängnisstrafe verurteilt. Die ursprüngliche Einvernahme durch das FBI
fand in ihrem Haus statt und wird im gefeierten Doku-Drama Is This A Room auf der Bühne Wort für Wort wiederholt. Der Regisseurin Tina Satter
und ihrer New Yorker Company Half Straddle gelingt damit ein Thriller.
Pur und konzentriert umgesetzt, tritt in dieser Gesprächssituation das
komplexe Powerplay exemplarisch hervor. Institution, Ehre, Patriotismus,
Gender – alles wird zu einer Frage von Macht, und das in dem Moment, in
dem das Leben der jungen Frau nach und nach zusammenbricht. Brillantes
psychologisches Schauspiel bis in die Fingerspitzen macht klar: Fiktion
ist krass, Realität krasser.

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ORF & FMV & NXP präsentieren:

STARMANIA 22 – Live on Tour

Auch im Sommer 2022 gehen die Finalistinnen und Finalisten von „Starmania 22“ auf große Live-Tour durch Österreich.

Bei den Konzerten präsentieren die „Starmaniacs“ ein Hitfeuerwerk der Sonderklasse mit ihren Songs aus den Finalshows, Duetten und Gruppennummern.

Abgerundet werden die Live-Events mit einem eigens arrangierten Opening, Rückblicken auf die Highlights und die bewegendsten Momente der Show und natürlich auch eigenen Songs der österreichischen Neuentdeckungen.

Im Falle einer CoV-bedingten Absage der Tour oder einzelner Konzerte, wird der Ticketpreis rückerstattet.

Tickets: https://www.oeticket.com/event/starmania-22-live-on-tour-museumsquartier-wien-14994849/

Kartenverkauf:
oeticket Center im Foyer der Halle E+G
Museumsquartier
Museumsplatz 1, 1070 Wien
Mo-Sa 14-19h
www.oeticket.com

Zum ersten Mal in Österreich! Die US-amerikanische Sängerin, Grammy 2019

Nominierte & Performerin Snatam Kaur besucht Wien auf ihrer

Europatour 2022.

Snatam Kaur ist eine US-amerikanische Sängerin, Grammy-Nominierte und
Performerin 2019, Friedensaktivistin, Autorin und Lehrerin, die in der
Sikh- und Kundalini Yoga-Tradition unterrichtet. Ihre große Kunst ist
es, traditionelle indische Gesänge in einen zeitgenössischen Klang zu
verwandeln. Tauchen Sie ein in die heilenden Klänge von Mantras. Sat
Nam!

Snatam Kaur & Band:
Snatam Kaur - Vocal, Harmonium
Grecco Buratto - Guitar
Ram Dass - Clarinet, Guitar, Vocals
Sukhmani Kaur - Tabla

Tickets: : https://tickets.brightstarevents.com/event/snatam-kaur-in-vienna-2022